想像一下，你的额头、后肩、臀部各长出一支笔，你必须驱动身体用这3支笔画圆，要怎么画？

正常人肯定画不出来，可以想像做出来的动作圆不成圆，身体则重心全失，陶身体剧场艺术总监陶冶说：「就像坐过山车（云霄飞车）般完全失衡。」

但若经过他的「圆技术」练出来的舞者，「就可以在身体的颠三倒四中，找回平衡。」

他这回带来的《6＆7》，就是在这个所谓的「圆技术」基础上发展出来的，呈现一个身体化繁为简的美学。

圆技术讲的是重心转移下造成失重状况时，在失重过程中能保持自己重心的概念，这种身体运用概念，创造出跟传统舞蹈很不一样的身体视觉效果。

这种反其道而行的训练极为困难，舞者必须用身体的一些点发力画圆，从头到脚，甚至毛发皮肤都要试着长出笔来画圆，初试时舞者越跳越怕，怕站不稳，怕变型，圆不成圆，总要练到一定阶段才能掌握窍门。

有趣的是，虽然起源于「圆技术」，《6＆7》要探讨的却是「直线」，探索脊椎的垂直直线运动。

在舞蹈中脊椎是最被忽略的身体，有句成语叫「手舞足蹈」，手跟脚的舞蹈语汇本来就很丰富，但脊椎就用得很少，「所以，这回的作品就是去手去脚。」陶冶说：「专注于使用脊椎来舞动。」

这两个作品就是在运动过程中不断做视觉。「身体可不可能被视觉化？其实很难。」陶冶说：「因为我们对身体太熟悉了，每天都在跟自己的身体打交道。」

但陶冶的作品没有主题，抽象的概念必须建立在非常强烈的视觉效果才能达到，所以，必须以特殊的方式去呈现，而在这两个作品中，陶冶以减法到极限的创作方式，限制或禁止惯用肢体的使用。

以「6」为例，陶冶就要舞者忘记手的存在，以脊柱为枢纽，回归到「动」最原始的驱力，透过旋扭、折叠脊柱，展现了空间的多元层次。力道由内而外，从脊柱到肢体，乃至末梢的肌肉。

「7」则干脆连音乐也不给了，希望以舞蹈回归肢体的方式，让观众看见舞者们肢体的极限之美，整个作品是陶冶多年来对二元性与「声形」训练的体会，专注研磨吐与纳、内与外、虚与实，让舞者发出声音，寓声于动。

自2008年创团以来，陶冶的作品都是以舞者人数命名，这是他为了避免大家凭命名对舞作产生过多解读，希望给观众更多想像空间，也希望他们能直视肢体本质，以自身感受来诠释舞作。

会创这个团，是因为他对身体有一堆问题，虽然他曾试着在其他现代舞团里寻找过，但最终他还是决定独自面对这些问题。

「一开始我研究走路。」陶冶说：「从脚底、脚踝、脚趾、脚背、膝盖、胯骨、尾椎一路研究，观察它在动作转换中，力量的分配。」他发现，身体的运动会有一个过程，一个理性的科学过程，这也为他往后的作品打下很扎实的基础。

这么多年来，作品从「2」到「8」，却少了个「1」，为什么？「这是留给自己一个想像空间及提问空间。」陶冶说：「这是一个空白。也在提问，什么是唯一，什么是开始？」

「我一直都是提问者，一个问题提完还有下一个问题，对我来说就是不断地去回归、还原。」他说：「现在更往里头了，以前一些微观的内容更清晰些了，以前只是有一个大致的方向跟宏观的感受，创作越往后走，越来越往自己内心深处探索，更了解自己。」

接下来的作品「9」就是一个大突破，「我们的技术是一个系统，但借由作品『9』可能会形成一个体系。」他说：「『9』会集合前面所有作品，做一个整合，它是一个宏观的作品，甚至这个作品是极复杂的，没有一刻重复，动作不会相同，形式跟之前所有作品形式完全不同，或完全一致，很奇怪吧！」

创团以来陶冶听到过很多对他作品的评论或诠释，他印象最深刻的就是在欧美有人以「没见过」来形容他的作品，这让他很高兴，陶冶说：「欧美剧场文化及环境毕竟比我们进步至少50年，甚至百年，他们的实验性作品已累积很多，我们的系统能得到这样的评价，非常不容易。」

对看他作品的观众，陶冶提醒说：「在我的作品中，你们看不到我的情感；但你能够发展出你自己的情感。」陶冶的作品只是向观众展示一个素材，不给定义，不给标准答案，只是把可能性释放到观众的观看体验中，「我觉得这是一个真正的对话，我觉得好作品在寻找知音，不是在寻找观众。」

（图片由云门舞集提供）

陶身体剧场「6&7」演出资讯

演出时间

6月9日 20：00

6月10日 15：00

6月11日 15：00

演出地点：淡水云门剧场